在摄影风光摄影理论知识大概掌握的前提下，怎样提高风光摄影水平？

感觉题主的第二张和第三张照片拍得要比第一张好。其实风光摄影的确比较容易拍成糖水片，如果真的能拍出漂亮的糖水片，其实也挺好的，题主不必太在意。

根据题主这三张照片，总结几个有待提高的方面：

1、注意用光。风光摄影想要给人视觉上的震撼力，用光一定要精巧。因为摄影说到底是光影的艺术，题主看了很多理论知识，不知道有没有看用光方面的，如果没有，可以看看这方面的。第一张照片的光太平了，色彩也不通透，我感觉测光不准，不大像是用M档拍摄的（题主注意，如果想深入学习摄影，最好还是用M档）。第二张照片的光影表现比第一张好，微微有些“耶稣光”的意思，但表现得不太充分，色彩仍旧不太通透，后期可以修一下这方面。第三张不能算是风光摄影吧，黑白片不仅仅是把彩色转成黑白而已，而是黑白浓淡的层次要体现出来。

（色彩通透一方面前期要测光准确，这样才能给后期留出足够的空间。另一方面后期可以适当修图，把色彩调得更好）

2、注意拍摄角度。想要视觉震撼力，拍摄视角很重要。举一个简单的例子，有很多的著名景点、摄影基地，如果路人视角去到此一游的话，很一般，乱乱哄哄的，也不过如此。但让专业摄影师一拍，那就美轮美奂，甚至成了网红打卡地了。原因之一就是拍摄视角不同。不同的视角和景别，传达给观众的视觉语言是不同的。如果拍摄环境比较杂乱，那就推特写；如果拍摄环境比较高大空阔，那就拉远景；如果拍树拍建筑，可以仰拍显得高大；如果拍河流拍道路，可以俯拍显得蜿蜒曲折……总之，近，取其神；远，取其势。竖拍三寸，当千仞之高；横拍数尺，体百里之。针对同一物体或同一景点，可以围绕它远远近近走一圈，试着不同角度取景。务必不要用路人视角去拍，要不然八成就成了到此一游的照片了。

上图，漓江的这个角度+专业的模特老头，已经名扬全网了，但如果从路人的视角看，那就是下图，哈哈，也不过如此，哪有什么太多的美感。

3、要有拍摄思想。对于摄影师来讲，镜头就是你的笔，你用它来写什么样的文章，关键还是看你的头脑想要表达什么思想。所谓“举镜有深意，动人须巧思”，你要珍惜相机的快门，不要随便拿起来咔嚓咔嚓就拍，一定想好了要表达什么再拍。如果没思路，不知道想表达什么，我有个练习的办法，就是让自己写“命题作文”。比如今天你给自己规定一个题目，拍“秋天的云”。然后你就可以思考，该如何表达秋天的云（这期间你可以查资料，找名家名作学习），然后出去拍摄，最终找出此次作业的最佳照片。慢慢这样练习，会提高你的摄影观察力和表现力，拍的时候脑子里不再空无一物。

风光摄影怎样拍能够更“锐”？

风光摄影 从摄影术诞生那天起，就独占鳌头。人类第一张永久性摄影作品就是风光照（1826年，法国人埃普斯拍摄了他自家窗外的景物《鸽子窝》）。

风光摄影一直是门奇特的领域，它是最容易接触的类别之一，总能快速地累积好评、攫取目光，却也是糖水照的代名词，缺少内涵、赚不了钱，只能是通俗的下里巴人，难以成为曲高和寡的阳春白雪。

这样的矛盾在国内风光圈格外明显，归根结底问题出在构图，构图决定了艺术层次的差异，下面就来讲讲拍风光照的几点要注意的。

埃普斯《鸽子窝》

1. 构图决定了观看方式

“构图是最有力的观察。”这句话是摄影大师 Edward Weston 的名言，反映出他的拍摄风格，从生活中观察到细微的不同，平凡或不平凡，一切取决于构图观点。

因为对于构图的想法决定了摄点的选择，另外也牵动了曝光、后制如何搭配。

2. 构图不是塞满取景框就好

有时在构图时，往往画面太满，就会透不过气，主题占据了过多的空间，画面被撑满，也完全挡住交代环境的必要背景。

在拍摄前必须思考的事很多，画面中框取哪些人、事、物只是其中一部份，另外色彩运用、光线对比以及后期制作的布局想象也都是构图的学问。 简单来说，构图并非狭义地塞满景框，而是从前期到后期的预视统筹概念。

3. 构图的终极目标，在于传达个人观点和情绪

如果一张画面追求的是艺术层次，那么技术完善与否，是否忠于现实就不是你的强调重点。

相反，你应该关注的是作品有没有传达出个人观点？诠释手法是否和观点相吻合？至于技术，那只是充分非必要条件。

4. 赋予想法是艺术家的任务

拍摄只能客观的记录，只有赋予想法才称得上艺术。

对艺术工作者来说，看到一幅场景不是拍下来就好，而是应该思考眼前的景致带给我们什么感觉。 运用光线、色彩作为构图工具，表现出你的想法或情绪，如此一来风光作品才会具有感染力，不再只是绕着曝光、动态范围等技术面打转。

5. 光线是摄影的本质

光影永远比拍摄主体更重要，没有适合的光线条件，就没办法凸显你想说的重点。

6. 平衡和对称

对称可以产生简单的、正面的、平衡的构图。尽量调整你的构图达到平衡，以建立起对称的线条、形状、主体、以及色彩。平衡且对称的画面总是能取悦观众的眼睛。

7. 保持画面简单

简单之所以是王道，是有原因的。去掉装饰、去掉令人分心的东西、去掉杂乱。你从画面中去掉越多的东西，你想给观众展现的故事和主体就越清晰明了。

8. 拒绝跟风，不要拍跟别人一样的东西

来到桥边，许多玩家都会聚集在水池边拍摄倒影，然而当我们移开视线，周围其实还有更多的题材值得记录。

一窝蜂是风光摄影的常态，每隔一阵子就有所谓的爆红景点，但追逐相同的场景、拍一样的构图不如去书店买明信片，毕竟思考与观察是摄影师的核心价值，我们不应该浪费时间在复制、临摹，而是应该投注心力在开创自己的影像风格上。

9. 放大主体

这一条是你应该在从事任何类型摄影时都要记住的。强调你的主要被摄体，令其在画面中比其他物体更大、更高、或者更清晰明显。

10. 没有灵感，技术只是空壳

匠气和艺术是两种层次，前者追求技术完美；后者在乎想法实践，没有灵感的创作终究沦为炫技。

11. 作品的好坏不在于器材，在自己

相机只是完成创作的工具之一，不要用器材决定你的拍摄题材，而是以想法为依据，试着用其他方法弥补手边器材的不足。

12. 不要一味地追求“正确”

艺术的领域没有标准答案，一幅好的作品不代表它有绝对正确的色阶分布。

13. 放下迷思

如果各位有兴趣可以观察当代摄影的呈现方式，举凡复合媒材、重曝叠加，现场的构图、曝光只是艺术创作的一环，过度强调直出将抹杀了创意实践的可能。

14. 风格必须建立在精准的色彩上

先求色彩的标准化，而后才有风格的差异化，精准的色彩掌握是艺术创作的根本。

15. 原创的画面就是最好的构图

偶尔缩小视野，会发现大景之外别有洞天。

再造同样的构图不难，创造出从没看过的画面却很难，原因在于多数人向往知名的大山大水，却很少有人愿意在灯火阑珊处发掘值得记录的影像。 诚如风光摄影大师 Eliot Porter 所强调的，在混沌中提炼秩序、由生活中榨取美感，独特的景象可能就在你我周遭，需要的是我们培养原创的精神，从观察、体验中荟萃现实与想象的交集，进而将熟悉的一草一木升华成为艺术。

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