在绘画中，色彩应该如何运用？

不得不承认自己是一个非常好色的男人，对一幅画色彩的关注度远远大于形体。我认为仅凭色彩本身的表现力就足以言情达意。

但我学画之初却忽视了这一点，画了好几年的素描，已经画的非常好了才开始画色彩。结果一直被用明暗关系塑造形体的习惯束缚，画出的色彩就是固有色加素描。按我们行话就是没有颜色。不懂色彩关系，不知道冷暖对比。甚至面对一片没有明显形体结构的花海不知从何入手。

多年后才走出阴影学会了用色彩来表现，简单的说就是直觉，第一眼看上去的那份感受。忘掉形体、忘掉技法、只是色块。把第一眼进入心灵的色彩准确的呈现出来。通过对比找出大关系下的细微差别来充实细节，用色彩关系的变化塑造形体。就一定能画出生动感人的作品

无论是中国画，还是油画，在过去都喜欢设色，给画面中渲染出具有强烈视觉冲击力的色彩，让画面呈现出强烈的装饰效果，一直是所有绘画艺术里最核心的元素。像我国古代的院体画、宫廷画，以及民间绘画，还有以画中区分的青绿山水、泥金山水、泼彩山水等，虽然创作技法不同，但都拥有五光十色的色彩，这些色彩跟大自然中物象的固有色是一致的。

青绿山水

然而，到宋元之际，由于“文人画”在苏轼、赵孟等具有广泛影响力的文人士大夫的推动下，逐渐兴盛起来。这些文人在创作绘画时，深受孔子“绘事后素”审美思想的影响，这个成语后来的意思演变为：在绘画艺术中，彰显物象的率真状态才是根本，它跟色彩的关系不是很大。

梵高花园花开

同时，“书画同源”的理念对中国画的影响也十分大，所以，中国画从之前的喜好颜色，逐渐变成了对颜色的弱化，开始以素雅的水墨，或者清淡的色彩来作画，在视觉感受力上，变得越来越弱小。

雷诺阿手拿雏菊的年轻女孩

但在之前，南北朝著名书画理论家谢赫概括的“谢赫六法”，即气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写，一直是中国画的创作标准和审美标准。其中，“随类赋彩”就是中国画运用色彩的标准，此法则中“类”指代“物象”。

工笔人物画

整个意思是说，在绘画设色时，不能夸张和失真，要以理性客观的态度，按照物象的固有颜色对其设色，避免让物象丧失本色。如，桃花是粉色的或者白色的，画家不能因为自己喜欢红色而把桃花画成红色。在中华民族的文化观念里有“真善美”一说，把“真”放在首位，说明“真实”所传达出的感受本身就是美的，表现真实和赞美真实是约定俗成的规矩。

鲁本斯农民的舞蹈

油画的设色原理在本质上跟中国画一样，遵循“眼见为实”的原则，在局部地方可能会由于追求光影效果和明暗关系，而强化色块、色调之间的差异，在设色上夸张了一些，比如，梵高的油画设色就比较大胆。但在大体上，没有偏离物象固有色，不会造成视觉障碍。

学色彩容易吗？

色彩说起来简单，但细分下来，还是很复杂的，尤其是我们装修行业，更是离不开色彩，好的色彩搭配，装修效果也就成功了一半。

高中生学画画，调色彩，相比素描来说，还是比较容易入门的，必定高中生的绘画能力只是入门阶段吧？

可能你会认为中小学学生绘画叫入门，其实中小学时，爱画画是兴趣，严格说，这段时期多数只能算涂鸭期，可能有少数条件好的家庭，会请教师辅导进入入门期。但人只有到一定年纪后，真正有自主能力，为自己谋前程，到高中时才漫漫成熟，所以，学美术，高中生从学素描开始，画几何体，画俏像，色彩静物，只能初入画画的门，只有进入大学时才系统学习绘画知识才专业。

绘画学色彩不容易，你可以很快把索描的五大调子用铅笔速画出来，但用色彩把五大调子画好，就一个灰调，用色彩画，你很可能画的很脏很脏，不过，你不必恢心，高中生只是入门级，在学色彩时，应尽量简洁，升学考专业课，考的是色相认识是否准确，不要求你的色彩画的层次有多丰富，这样灰调理解就简单了，在色彩创作时，以个大调色为基础，调出四五种冷暖对比色，把大的基调色块辅上，略加添补就能得好分。只得注意的是，不要过多的搞细节刻画，细节刻画越细越乱，影响整体效果，因为你是入门级，专业不会拿你的作品与大师级作比较。

高中生学色彩，你可以先死记色彩的基本知识，也就是三原色互补关系，每两种原色相配调出第三种色，你用三原色的互补关系准确调出二十种色彩就足够用了，简单的理解，简单的造形，简单调色，给人以画面的简洁，干净，是高中美术生升学考试色彩的关建，你不要把问题想得太复杂。