什么样的手绘线条才是最美的，最有韵味的？

中国艺术以线条为主要表现力。什么线条最美，应根据各种艺术门类，主题，恰如其分的表现出作品的完美为佳。如顾凯之的人物画，如神仙飘渺，裙带舞风，采用铁线丝描，深刻的表达出他想表达的主题，这样的线条对顾来说就是最好的线条。又如傅抱石的山水画，采用破笔乱皴的线条，恰如其分的表现出山石的浑然一体和茫。再如李可染的山水画，以其厚重，墨色丰富和精妙著称，其线条积点成线，凝炼而厚重，对他来说也造最好的线条。在书法上，每个书家或者每个书家的每幅作品不同，所采用的线条也不相同，大江东去的意境，用柔美的线条不会有好的效果；反之，“停船暂借问，或恐是同乡”的意境，用大刀阔斧生硬的线条，也达不到美的要求。当然，对线条自身的要求，重、留、园、变、枯湿、燥润，干烈秋风、润含春雨等等，只要做到，都是美的。

油画艺术作品的“韵律美”怎么体现？

韵律美是音乐艺术上的名词，音量的高低起伏，音值的长短快慢，音色的频率高低，都可以体现出音乐的韵律美和节奏美，带给人们美好的听觉享受。

在艺术相通的原理下，音乐中的韵律美被广泛吸收到诗歌、绘画、雕塑、舞蹈等姊妹艺术中，很好地充实了这些艺术的内涵，如今，韵律美是所有艺术形式都喜欢追求的一个重要特征。

油画艺术是视觉艺术，不像音乐那样，可以直接用听觉来感受韵律美，油画是依靠画面的疏密变化，以及笔法节奏上的变化，然后把这些变化通过视觉感受的方式，传达给观者，继而为观者呈现出韵律美。

要体现油画艺术的韵律美，做到以下几点就可以达到自己的艺术目的。

其一，在构图上，通过疏密有致体现韵律美，让观者眼睛拥有自然过渡的余地。油画不是国画，国画可以大面积留白，整个画面哪怕只画一棵树或一棵草，只要画在合适的位置，同样能带来某种意境。

对油画构图时，常常需要背景的衬托，如果画面中没有背景，太过于稀疏，整个画面结构就会显得松散。如果构图过于密集饱满，就会显得没有主题。

因此，油画的构图必须拉开空间感，但也不能拉得过大，要把握好尺度。

其二，在笔触上，通过笔触的快慢、刚柔、粗细等变化，来体现韵律美。油画中的笔触跟国画中的线条的作用一样，是造型的基础，也是画家情感的载体，所以，在笔触的运用中，必须结合画家思想情感和艺术目的的需要，用不同的笔触变化来渲染作品的意境。

如果观者能看到一幅油画作品里，笔触背后是一个有温度，充满生机活力的生命，那么，证明笔触的运用就是成功的。

其三，在设色上，通过色调的深浅变化来体现韵律美。给油画作品设色时，有自然色彩和情感色彩之分，自然色彩是物象与生俱来的色彩，一般情况下，油画家都会尊重事实，在设色时不会改变自然色彩。

但在某些情感状态下，自然色彩很难表达画家的心理感受，因此，画家会结合光影明暗的变化，把一部分自然色的色调适度改变一些，达到色调深浅不一的局面，从而体现韵律美。

这种情形就像观看一个水潭，潭水越深的地方，往往要比潭水浅的地方要蓝。

我以为，油画艺术作品中的“韵律美”就是它的对称美，和谐美，意境美。“韵律美”体现在油画的构图、明暗、色彩和线条笔触上。

比如说：

古典主义油画巨匠达芬奇的油画，构图非常严谨，画面主要部分和次要部分都严格按照“黄金分割线”分布，看上去非常对称和谐，让人感觉很自然很协调很有美感。可以说这就是油画艺术的韵律美。

“用光明暗法”开创者伦勃朗的油画，擅长用黑色或深褐色做背景或画中的次要部分，用白色来突出主体或主题，这样好像有一束束白光集中打在画面中央，形成鲜明的明暗主次关系，同时产生强烈的视觉感染效果。这也是油画艺术的韵律美。

后期印象主义大师梵高的油画，则是完全通过色彩的勾铺染营造出很强的韵律美了。《向日葵》通过饱满的色彩渲染让人感觉出一种蓬勃向上的生命的力量。《星空》在色彩的变幻中好像在运转翻腾挪动，呈现出一种意境深奥的韵律美。

野兽派创始人马蒂斯的油画，线条洗练，笔触清晰，通过简约的构图和线条勾勒，塑造出物象的面貌和情景，同样表现出生动、明快、节奏感很强的韵律美。